#油画花卉#

在西方历史，将圣母玛利亚与白玫瑰联系在一起有很久的传统。

伊甸园里的玫瑰被认为是无刺的，荆棘只有在原罪的情况下才会出现。

圣母玛利亚怀上耶稣是无罪的，她被称为“没有刺的玫瑰”——完全纯洁。

与白玫瑰形成鲜明对比的是红玫瑰，它与她的儿子耶稣联系在一起。

红色就像他为世人的罪孽留下的鲜血。

据说，他的带刺的王冠是由一根扭曲的玫瑰茎编织成的，从此玫瑰象征着激情和宗教信仰，既代表着生命，也代表着生命的转瞬即逝。

基督教神话中的玫瑰，在某种程度上，是对更古老的异教神话的改编，在这个神话中，玫瑰与阿佛洛狄特联系在一起。

玫瑰花与欲望、爱情和美丽的联系，似乎历史悠久。

紧握玫瑰就是利用教会和上帝的象征性力量。

在英国，兰开斯特家族和约克家族在选择玫瑰花作为象征时就明白了这一点——前者采用红玫瑰，后者采用白玫瑰。

在年到年之间，如果你拥有一朵白玫瑰或红玫瑰，每个人都知道你的忠诚在哪里。

年，亨利七世在战斗中击败理查德三世后加冕。

都铎人(和兰卡斯特人)亨利试图抓住机会，一劳永逸地统一国家，停止持续不断的战争。

他与约克的伊丽莎白结婚，认识到花卉象征的重要性，创造了都铎玫瑰，在约克的中心有五片白色花瓣，周围有五片红色的兰开斯特花瓣。

都铎玫瑰将成为英格兰永恒的象征。

因此，英国人认为，玫瑰花美丽而自然，永远是公正的，是圣母和基督合二为一。

玫瑰在艺术中突然出现，它被雕刻成建筑物装饰，并缝制成皇家服装点缀。

以前的英国人掏出钱包，会看到都铎玫瑰骄傲地雕刻在20便士硬币的背面。

大约在这个时候，都铎王朝延续了罗马人在会议室头顶挂一朵玫瑰花(或挂一幅玫瑰花的油画或雕刻)以表示保密的罗马习俗——这里说了什么，就留在这里。

艺术家们也一直在描绘玫瑰，利用它的联想力量为他们的作品增添意义。

在一幅画上加一朵玫瑰，它就会变得更漂亮、更虔诚、更有爱心。

每一朵花都有它自己的内涵，所以艺术家有太多的选择，他们可以非常具体地向观众传达什么信息。

动物也被授予意义，尽管通常具有更拟人化的性质。

艺术家可以使用这些元素作为绘画中的道具来创建背景。

年，艺术理论家、法国学院秘书安德烈·费利宾写下了绘画流派的等级，直到19世纪都不会改变。

该等级规定历史绘画是最宏伟和最尊贵的，其次是肖像画、风俗画(生活场景)，然后是风景，其次是动物，排名最低的是静物画。

原因呢？

这是一个理想主义胜过现实主义的时期。

画自然不过是装饰品，赏心悦目，却没有什么刺激心灵的作用。

然而，也有一些画家以处理静物画而享有盛誉。

其中一个是佛兰芒艺术家老扬·布鲁盖尔，布鲁盖尔是鲁本斯的密友，偶尔与鲁本斯合作绘画，他创作了令人赞叹的花卉油画，通常是在铜质地面上，这些花束精心制作，错综复杂的程度令人难以置信。

他布置的花朵很少重叠，而且花朵来自不同的季节，现实中不可能拼凑出五颜六色的组合在他的画中出现。

另一位伟大的静物画家是扬·范惠苏姆(他也是佛兰德人)。

他的花朵栩栩如生，他因复兴了这一艺术形式而被戏称为“花画家”(尽管他的父亲贾斯特斯也是一位高超的花卉画家)。

他的作品比布鲁盖尔的更狂野，花朵在明亮的底色上摇曳，细节从茎和茎页中窥探出来。

第三位著名的荷兰花艺艺术家是瑞秋·鲁伊施。

与范惠森一起，她是17世纪末18世纪初最著名的花卉绘画倡导者。

静物画家认为，在每一种情况下，花都不只是道具或象征，而是绘画的中心对象。

不仅仅是对自然的描绘，花代表生命的转瞬即逝，美丽的褪色和死亡的必然性。

要达到这样的现实主义，就是颂扬自然界中的启示。

通常情况下，玫瑰被用来锚定这些构图。

19世纪初，随着感光物质的发明，艺术与科学的分裂开始显现。

科学家不再需要依赖充满艺术诠释的植物学图画。

同样，花卉摄影与艺术需求不相容，因为它们很少捕捉到完美，但暴露了大自然的缺陷，如褐变的花瓣或折断的茎。

玫瑰的象征经久不衰，在19世纪和20世纪的艺术中仍然被大量使用。

例如，在约翰·埃弗雷特·米莱的绘画中，年创作的油画《欧菲莉亚》，在水中朝上的手掌旁放了一朵红玫瑰，以表示她的爱和即将到来的死亡。

随着艺术转向二十一世纪，象征主义在艺术中的整体运用逐渐淡化为抽象和现代主义。

虽然不再被大量使用，但随着时间的推移，我们对玫瑰的理解几乎没有改变。

对于渴望表达激情的情侣来说，它仍然是首选的花，仍然可以在广场和步行街找到，作为对爱的虔诚之花。

玫瑰的美丽和力量是永恒的，是诱人的，有着一种不可能的、超凡脱俗的品质。

他是俄罗斯优秀的肖像画家，一时失控，反而画出了一幅传神之作

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